10 GRANDES DIRECTORES QUE NO ESTUDIARON CINE

10 GRANDE DIRECTORES  QUE NO ESTUDIARON CINE

El arte es algo salvaje, algo que no siempre puede ser domado por una escuela o pulido por unos profesores que intentan dar unas pautas a seguir para crearlo. Hay veces que los creadores no pueden vivir bajo las convenciones impuestas en las escuelas de cine y prefieren volar libres, convertirse en autodidáctas y vivir el cine en su máxima expresión, como una serie de experiencias que al final te moldean para ser algo que no se puede enseñar: director de cine. 

Entre los grandes, hay muchos que no pisaron nunca la escuela de cine, y que se formaron en el campo de batalla, trabajando todos los aspectos técnicos de cómo hacer una película.

Miranda July

July pasó su juventud creando arte, publicando en magazines o escribiendo para prisioneros. Fue a la Universidad de California en Santa Cruz y estuvo allí durante un año, pero lo dejó para centrarse en su pasión. “Para mi, la universidad me estaba alejando de empezar. Nunca he sido académica. Lucho contra todas las convenciones hasta que me son útiles", explicó.  Su primera película, "Tú, yo y todos los demás" se estrenó después de ganarse un hueco en el workshop de Sundance. 

John Waters

Empezó a estudiar en la Universidad de Nueva York, pero no pasó allí mucho tiempo. “Estuve allí cinco minutos. No sé en lo que estaba pensando”, dijo una vez. “Fui a una clase y no paraban de hablar de “El acorazado Potemkin” y no era eso de lo que yo quería hablar. Había visto recientemente, “Olga’s House of Shame”. Eso era lo que me gustaba”. Reiteró esta opinión en una entrevista con Bomb:

“Nunca fui a la escuela de cine. No sabía que hacer. No sabía como encender la cámara, ya sabes, básicamente. De alguna manera, mi incompetencia ha acabado en el año 2004, en el mundo del arte contemporáneo”.

Cuando le preguntaron si alguna vez enseñaría en una escuela de cine, Waters dijo:

“Bueno, enseño en prisión... no, no tengo deseos de darle clases a gente normal, pero me gusta mucho tener como estudiantes a asesinos. Son mi mejor público”.

Stanley Kubrick

Sabio más allá de su edad y con una aptitud por los hobbies intelectuales como el ajedrez, Stanley Kubrick no encontraba motivación siendo un joven estudiante. Después de recibir una cámara cuando cumplió 13 años, su pasión por aprender se estimuló, y empezó a estudiar por si mismo fotografía y los principios básicos del cine. El director de 2001 discutió su aprendizaje al empezar en Hollywood en una entrevista de 1969:

“Después de dejar “Look” en 1950, donde fui fotografo durante cinco años desde que dejé el instituto, eché suerte con las películas e hice dos documentales: “Day of the fight” que iba sobre el luchador Walter Cartier, y “The flying Padre”, una cosa muy loca sobre un cura del Sur que voló a su aislada parroquia en un pequeño aeroplano. Trabaje en todos los aspectos de esas películas, y también lo hice en lo que serían mis dos primeras películas: “Fear and Desire” y “Killer’s Kiss”. Era cámara, director, editor, asistente de editor, hacía los efectos de sonido. Cualquier oficio, lo hice. Y fue una experiencia que no tuvo precio, porque al estar forzado a hacerlo todo por mi mismo, obtuve un profundo y completo conocimiento de todos los aspectos técnicos de hacer cine”.

Akira Kurosawa

Kurosawa estudió para ser pintor. Tenía una relación muy cercana con su hermano mayor, Heigo, con el que trabajó como narrador para películas mudas, y el cual le ayudó a estrechar su amor por el cine y la actuación. Cuando un nuevo estudio (el cuál más tarde sería el famosoToho Studio) estaba buscando un asistente de director en los años 30, Kurosawa aprovechó la oportunidad. El director Kajirô Yamamoto, que había hecho unas cuantas películas de guerra, se convirtió en su mentor. En 1943, Kurosawa hizo su debut en la dirección, y a partir de ahí fue construyendo su reputación y ganando libertad creativa.

 Julie Taymor

El mundo del teatro fue la introducción de Taymor al cine. Pasó diez años viviendo en Sri Lanka, India, y al final, Paris, donde estudió para ser mimo en la escuela de Jacques Lecoq.“Eso fue el principio para que entendiera el poder del cuerpo y qué puedes hacer con el movimiento físico y visual, máscaras y los títeres” le dijo a Interview. “Era muy emocionante, porque puedes usarte a ti mismo como una máquina de escribir. Usas tu cuerpo, usas tu cerebro y tus emociones para escribir el material. No eres tan solo herramientas de un guión ya escrito. Era muy emocionante hacerlo”. Después de hacerse un nombre como directora internacional de teatro en Japón e Indonesia, volvió a los Estados Unidos para hacer teatro enBroadway y producciones de ópera, incluyendo la exitosa “El rey león”. Dirigió su primera película en 1999, “Titus” pero no tuvo demasiado reconocimiento crítico hasta que no hizo“Frida” unos años más tarde.

Christopher Nolan

Las películas siempre han sido parte de la vida de Chris Nolan. “Solía improvisar con la cámara, pero nunca fuí a la escuela de cine” le dijo el director de Batman a DGA Quarterly.“Estudié literatura inglesa en la universidad y conseguí unas buenas cualificaciones académicas, mientras hacía mis propias películas y quería hacer más. Yo mismo pagué mi primer largo, “Following”, hecho por mi y unos amigos”. Zeigeist Films cogió la película para distribuirla por festivales, lo cual lanzó la carrera de Nolan en Hollywood. ¿Qué aprendió siendo autodidacta?

“Fue un acercamiento muy natural al entendimiento de todas las diferentes partes del oficio. Estoy interesado en todas las diferentes partes de hacer una película porque tuve que hacer un poco de todo yo mismo: desde grabar sonido a subtitular, editar o hacer la música. Me siento muy afortunado de ser probablemente la última generación que ha editado películas en una Steenbeck, poniendo los fotogramas manualmente y descartando planos. Me dio unas buenas nociones para tener una visión global de todo lo que comporta ténicamente una película, y fue muy enriquecedor. Y todo lo que hice era simplemente porque era un apasionado y quería probar cosas. Nunca vas a aprender nada más profundamente que algo que venga de la más pura curiosidad”.

James Cameron

El director de "Titanic" siempre ha sido un enamorado del arte y la ciencia, pero dejó la universidad. Empezó a vivir en una furgoneta y aprendió por si mismo efectos especiales y diseño de producción, y llegaría a trabajar con Carpenter en "1997: Rescate en Nueva York". El productor Roger Corman le dio a Cameron su primera oportunidad dirigir y el resto es historia. El director entró en más detalles de esa etapa en esta entrevista:

“Una de las mejores cosas que me ha pasado es no ir a la escuela de cine. Solía ir a la biblioteca de la Universidad del Sur de California y lo leía todo. Me hacía fotocopias. Me hice mi propia biblioteca de referencia sobre la pintura óptica y todo eso. Realmente estudié todo lo técnico. Pero no estudié la estética de las películas porque me di cuenta de que era demasiado solístico. Tan solo era sobre otras películas, pero necesitas entrenarte; necesitas una guía. Y también necesitas experiencias de vida. Estuve viviendo la vida durante unos años, saliendo con mis colegas de drogas por Orange County, y estudiando física, leyendo mucho y viajando. Así tienes algo que decir, y tienes experiencias en el mundo real que no están basadas en otras películas.

Lo principal es coger una cámara y hacer una película. Eso es lo importante. La gente dice “¿Cómo se consigue ser cineasta?” Y yo les digo, “Ves a casa, coge tu cámara y haz una película”. Bueno, es en video, no importa. Pero es una imagen, tu decides que va en esa imagen. La gente dice, “Bueno, ¿de dónde voy a sacar el dinero?” Que le den al dinero. Consigue a gente y haced una película. Porque si haces una película y pones tu nombre en ella dirá “Dirigido por”, incluso si es la mayor mierda del mundo y no cuesta nada, después de eso, eres un director. Tienes que regatear tu precio, ¿sabes a lo que me refiero? Y el presupuesto. A partir de ahí empieza a incrementarse, pero ya te has definido a ti mismo en ese rol. Si no puedes definirte, poco a poco te vas alejando de él, no siéndolo". 

Los hermanos Wachowski

Los Wachowski dejaron la universidad después de dos años y se metieron en el negocio de pintar y construir casas mientras escribían cómics para Marvel. Los hermanos eran unos grandes aficionados al cine y han citado a Billy Wilder y a Hitchcock como sus influencias tempranas. El libro de Roger Corman sobre hacer películas con bajo presupuesto, “How I made a Hundred Movies in Hollywood and Never Lost a Dime”, también les inspiró para escribir un guión (Carnivore), vender otro (Assassins, no se hizo) y trabajaron juntos en su debut tras las cámaras (Bound). Un poco después filmarían la que sería su obra maestra,“Matrix”.

Terry Gilliam

Gilliam ha dicho que se "opone" a las escuelas de cine en muchas ocasiones. El director de“Brazil” empezó su carrera como animador y dibujante, y poco a poco fue ganando la experiencia y confianza para ponerse detrás de las cámaras. En 2011 declaró que la experiencia es la mejor maestra:

“La escuela de cine es para los tontos. Vive y aprende cómo hacer películas. No fuí a la escuela de cine. Tan solo miré películas en el cine. Y probablemente, mi mejor educación fue hacer películas, así que eso es todo lo que siempre diré: mira películas, coge una cámara y haz una peli. Y si lo haces las veces suficientes, eventualmente empezarás a aprender cómo se hacen las películas”.

Quentin Tarantino

“Tratar de hacer una película por ti mismo y sin dinero es la mejor escuela a la que puedes ir”. Esto fue lo que le dijo Tarantino a sus estudiantes durante una master class en el Festival de Cannes. Después de dejar la escuela de actores, Tarantino se centró en tan solo mirar películas. Trabajar en un videoclub durante los 80 también le ayudó.

“Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine, les digo, no, fui al cine”, dijo una vez. “Cuando eres estrecho de miras o tienes unos intereses muy limitados, mejor que escojas mucho. No estaba intererado en la escuela, no estaba interesado en el deporte. Solo estaba interesado en las películas”.

CREACIÓN DE UN GUIÓN CINEMATOGRÁFICO

Escena y secuencia. Unidades narrativas básicas

El guión es una historia contada en imágenes con diálogos y descripciones, escrita con la intención de ser trasladada a un soporte audiovisual. El guión es la base de toda producción y debe expresar siempre acción y comportamiento.

Un guión se escribe de forma fragmentada utilizando lo que se llaman unidades narrativas. Son unidades narrativas la ESCENA y la SECUENCIA.

ESCENA: es un fragmento de la narración que se desarrolla en continuidad en un mismo escenario. La escena se desarrolla en un mismo escenario y su desarrollo cronológico ha de ser lineal y continuo, es decir, sin elipsis (supresiones de ciertos momentos de la acción irrelevantes para la narración). La escena estará formada por uno o más planos, en cuyo caso habrá que cambiar la ubicación de la cámara determinadas veces pero siempre sin alterar la continuidad si seguimos el modelo académico.

SECUENCIA: es un conjunto de escenas unidas por la misma idea. Posee dentro del guion un sentido completo y puede desarrollarse en distintos escenarios y distintos tiempos.

Puede que bien en su totalidad o en parte esa secuencia se realice en un solo plano y sin cortar. A esta parte la llamaremos PLANO SECUENCIA. En el plano secuencia la cámara recorre el escenario y sigue a los actores realizando diferentes tipos de planos y movimientos sin que haya corte alguno en la grabación. Todas las acciones captadas por la cámara quedan sin alteraciones y no se interrumpe la imagen con insertos.

Tipos de guión

El método de confeccionar un guión no sigue pautas rígidas, sino que cada guión y cada guionista es un caso particular. Aún más, cada tipo de producción condiciona el guión. El realizador deberá enfrentarse a tres tipos fundamentales de producción: las que exigen un guión completo como la ficción, la que necesitan un guión parcial como los documentales y aquellas donde los acontecimientos están sujetos al azar y el guión es totalmente abierto.

Los programas que no tienen un guión estrictamente cerrado utilizan lo que denominamos ESCALETA, que es un desarrollo esquemático del guión numerado por secuencias y descrito con la temporalidad que vaya a tener en imagen. La escaleta es utilizada esencialmente en programas de televisión, magazines e informativos. Es una relación ordenada de los diversos escenarios con una descripción breve de la acción y de los personajes que intervienen en cada escena.

Fases de elaboración de un guión

De la idea al guión literario

El guión se escribe tres veces; en la mesa, en el rodaje y en el montaje. En si mismo solo es la base de todo proyecto al que le seguirá un largo proceso pero sin él, el proyecto se viene abajo.

El método habitual de preparación de un guión de ficción atraviesa distintas etapas que nos llevarán de lo más abstracto a lo más concreto: Idea, argumento, sinopsis, tratamiento, cuión literario, guión técnico, story board.

1) IDEA dramática y argumental.- El germen del guión es la IDEA, una breve descripción de lo que trata la historia. Un guión puede partir de una idea original o una idea adaptada. En este último caso estará sujeta a la legislación de propiedad intelectual y derechos de autor. Si está muy trabajada se puede llegar a la idea argumental donde describimos ya en términos de acción y personajes.

2) ARGUMENTO.- consiste en desarrollar la idea hasta llegar a la narración concisa de una historia completa. Se suele narrar en tiempo presente, y aparecen, además de los acontecimientos esenciales de la historia, los personajes principales.

 Los argumentos poseen un carácter de dominio público, es decir, que mientras dicho argumento o su adaptación no hayan sido registrados en la Sociedad de Autores y en el Registro de la Propiedad Intelectual puede ser apropiado por otro productor, o empresa.

3) SINOPSIS.- El desarrollo esquemático y completo del argumento y digo completo porque no se trata nunca de la sinopsis publicitaria con la que nos suelen ilustrar dvd y programaciones de televisión, nuestra sinopsis siempre tiene que tener el final de la historia y todos los acontecimientos importantes que le suceden a los personajes.

 Ya se ofrece la estructura narrativa, un orden secuencial de los acontecimientos tal y como se quiere plasmar.

4) TRATAMIENTO.- Es el desarrollo y posterior ubicación de la acción contenida en el argumento o la sinopsis. La acción ya se refiere a determinados lugares y en a unos personajes que quedan definidos por su comportamiento y sus relaciones.

 El orden secuencial, la estructura narrativa de los diversos acontecimientos presenta ya un carácter elaborado. El tratamiento tiene casi la mitad de páginas de un guión, está escrito en presente y emplea la tercera persona. Está dividido en escenas y puede incluir partes del diálogo.

5) GUION LITERARIO.- es el guión tal y como lo conocemos como una sucesión de escenas y secuencias dialogadas y acotaciones explicativas en las que los personajes quedan perfectamente caracterizados por lo que hacen y dicen. Constituye el material que se pone en manos del director, cuando no ha participado directamente en su redacción y es la herramienta clave para preparar el rodaje o la grabación.

6) GUION TÉCNICO.- Finalmente, el realizador/director escribe el GUIÓN TÉCNICO, que supone añadir al guión literario la planificación exhaustiva del modo en el que se rodarán o grabarán las escenas, tipos de planos, angulación, movimiento etc.. Se trata de la interpretación del director de esa historia.

7) STORY BOARD.- En ocasiones se traslada el guión técnico a papel de forma gráfica con el dibujo del encuadre que queremos y la angulación precisa.

Estructura interna del guión de ficción

La estructura del guión es la columna vertebral de la historia, una sucesión de hechos principales por los que trascurre la narración cuyas reglas se cumplen especialmente en las narraciones clásicas y de género.

La composición dramática ha tendido siempre a una estructura en tres actos que coinciden con los de planteamiento, nudo y desenlace.

La historia audiovisual, como todas, comienza con un Planteamiento cuyo propósito es  proporcionar la información necesaria para que la historia comience. El planteamiento se inicia con una apertura con la que son visualizados en seguida el estilo y el tono de la narración. Normalmente también se distingue un suceso que ponga en marcha la acción al que llamamos detonantes. Durante el primer acto nos planteamos la cuestión central, y se nos da información sobre la historia y los personajes, para que nos orientemos a la hora de seguirla correctamente.

Al planteamiento y primer acto se pone fin con el llamado primer punto de giro, un nudo argumental que cambia el curso de la historia y empuja a la historia al siguiente acto, introduciendo nuevas preguntas y en ocasiones nuevos escenarios.

El acto dos o de nudo, corresponde al de desarrollo del conflicto planteado en la historia, desarrollando la trama hasta que un segundo punto de giro nos acelera la acción y nos lanza al tercer acto y a la conclusión, estableciendo una cuenta atrás en los acontecimientos.

Por tanto, el tercer acto, o desenlace, será más acelerado que los dos anteriores y en él se va construyendo el climax final, el momento en que el problema se resuelve, la cuestión central se soluciona, la tensión se termina y se alcanza un nuevo equilibrio.

Esta exposición es la de una estructura clásica o de género, pero no tiene porque ser seguida. De hecho hay estructuras de vanguardia o minimalistas que rompen la sucesión normal de los acontecimientos, mezclando estructuras de historias independientes o conectadas entre si de forma original y otras que son partícipes de una antiestructura porque no se pliega a ninguna norma o recomendación.

Estructura externa del guión de ficción

El guionista debe escribir imágenes y superar la barrera de que el 90% de las expresiones verbales no tienen equivalente fílmico. Hay que contestar a la pregunta ¿Qué veo en la pantalla?. Y describimos solo lo que es fotografiable.

Existe también una estructura externa que tiene que ver con las fórmulas normalizadas para la presentación de guiones.

En general se dice que hay dos formas básicas de escribir el guión; guiones a una columna (modelo americano) o a dos columnas (modelo europeo). Los guiones a una columna describen acciones y transcriben diálogos a lo largo de las páginas. Los guiones a dos columnas dividen las páginas en dos partes dejando la derecha para las acciones y la izquierda para el sonido (diálogos, sonido, músicas de referencia, ambientes sonoros...).

A nivel formal el guionista debe observar una serie de reglas a la hora de afrontar la escritura de un guión que se escribirá siempre en presente de indicativo. La industria del cine prefiere el formato de una columna. El formato ideal es el courier new tipo 12. El guión está dividido en escenas teniendo en cuenta las localizaciones. Cada escena está señalada por una cabecera, una línea de referencia en la que se pone, siempre en mayúscula y separado por puntos, el número de escena, la localización, si es interior o exterior y si es día o noche.

                                                                     Por ejemplo:

. 1.INTERIOR. COCHE. DIA

 La acción se desarrolla después de un espacio, sin justificar, y a lo ancho de la página. Los diálogos ocupan únicamente el tercio central de la hoja y serán precedidos por el nombre en mayúscula del personaje que los pronuncie. Las acotaciones a cada personaje se ponen debajo del nombre, antes del diálogo y entre paréntesis. En un principio no hay indicaciones técnicas. Sin embargo son muchos los guiones que anticipándose a la visión de director ya dan directrices sobre los encuadres (....la CÁMARA los SIGUE y se aparta gradualmente en PANORÁMICA,…) o las transiciones (FUNDIDO A, CORTE A)

Una página guión, un minuto

La normalización de los guiones permite un buen trabajo de producción. Cada página de guión corresponde aproximadamente a minuto de película y para cada minuto necesitamos al menos dos horas de rodaje. Esos datos son fundamentales para el director de producción que deba organizar el plan de trabajo y dividir las sesiones.

Aunque para escribir un guión podemos utilizar cualquier procesador de textos, existen programas especializados que justifican y tabulan según las fórmulas normaliz(entre ellos: MovieMagic Screewriter, ScriptThing, Sophocles... y sobre todo Final Draft).

Elementos de la historia

En la mayoría de los casos ir al cine es ir a ver una película que cuenta una historia.

Cuando nos referimos a historia hablamos del contenido del relato, de la acción que refleja, que puede ser mínima, trivial o hasta espectacular.

Los elementos básicos de una historia son:

-el acontecimiento que narra

-los personajes que participan de él

-el tiempo en que se desarrolla

-el espacio que lo acoge y que queda retratado

Para el relato se dota a los personajes de datos diferenciadores y distintivos, los acontecimientos se ordenan en una secuencia que puede diferir de la cronológica, a cada aspecto de la historia, a cada momento se le asigna un tiempo, los lugares en los que se suceden los acontecimientos reciben unas características distintivas y se transforman en lugares específicos. Además se establecen distintas relaciones entre los elementos de la historia y se elige un punto de vista desde el que presentar la narración.

1.el acontecimiento: acciones y sucesos de los que participan o afectan al protagonista. Como narradores realizamos una selección de cuáles son los acontecimientos que nos interesa presentar al espectador. Seleccionamos una parte de la totalidad pero siempre hay un pasado y un futuro del que debemos ser conscientes.

La felicidad no es cinematográfica por eso la película termina cuando se consigue en parte. El drama, los conflictos, los problemas si son atractivos. Cuando hablamos del acontecimiento, éste puede ser cotidiano y no grandioso o espectacular. Además, la morfología narrativa nos enseña que todas las historias tienen elementos y argumentos que se repiten. En definitiva la narrativa muestra la ruptura de un orden establecido y una serie de sucesos que se desarrollan con el objetivo de recuperar el equilibrio.

2.Los personajes.- El personaje pieza fundamental del guión y no es más que un sistema de equivalencia perfecta para regular la legibilidad del texto sin el que no tiene razón de ser. Para conocerlo el guionista tiene que desarrollarlo, analizarlo y después revelarlo sobre el papel a través de acciones.

El personaje tiene: una parte exterior (desde el principio al final de la historia). Recordemos que revelamos al personaje a través de sus acciones y una parte interior (todo lo que no relata la historia).- con ello se da forma al personaje y hace que se enfrente a la acción de una forma u otra.

Si no sabemos por qué un personaje hace algo, nos será más difícil entrar en la historia. La motivación actúa como el detonante, al principio de la historia, y fuerza al personaje a verse envuelto en ella.  Los personajes deben moverse desde la motivación hasta la meta a través de la acción.

Esquema básico a la hora de construir un personaje

Realizamos el siguiente proceso con el personaje:

- proporcionarle una biografía exhaustiva: un antes, durante y después del relato

- trabajar su tridimensionalidad: fisiológico, (¿qué aspecto tiene?), psicológico, (¿como es su carácter?) y social (¿a qué se dedica?, ¿ quienes son sus amigos?, ¿cómo es su familia?..)

- describirlo mediante acciones: el personaje es lo que hace

- explorar los personajes temáticos: sirven para transmitir el tema de la película.

3.El tiempo.- Cuando nos referimos al tiempo, en audiovisual tocamos dos aspectos. Tiempo real y tiempo cinematográfico.

 De un lado y como toda composición narrativa, al anclaje en un año, una época, un momento del día, una estación... Recordemos que toda cabecera de escena queda identificada por un efecto de día o noche. Pero además hay que ser consciente de que el tiempo cinematográfico es flexible, que como narradores podemos contraer o expandir el tiempo, la vida de una persona puede ser contada en pocos minutos y unos segundos pueden resultar minutos. 

Conceptos importantes en este sentido son el montaje paralelo (varias acciones suceden al mismo tiempo), el suspense y la sorpresa (cuando el espectador sabe más o igual que los protagonistas), la continuidad (el respeto a la sucesión de los acontecimientos), las elipsis (la supresión de momentos que no se consideran importantes para acelerar la narración o representar el paso del tiempo) el flash back (el salto atrás) y el flash forward (el salto hacia adelante), entre otras cuestiones.

4.El espacio.- En la definición de nuestra historia está también el lugar en el que se desarrolla. No solamente se trata de localizar la acción en un sitio determinado, un país, una ciudad, un barrio.  También hay que definir el tipo de espacio, no todas las casas son iguales ni las habitaciones de una misma casa tampoco, debemos definir la clase de espacio en la que se desarrolla nuestra acción, cuál es su propósito o función, la relación entre una o más personas y por supuesto su ubicación y localización.

Guión Técnico

El guión se escribe tres veces; en la mesa, en el rodaje y en el montaje. En si mismo solo es la base de todo proyecto al que le seguirá un largo proceso pero sin ella el proyecto se viene abajo. Independientemente del tamaño y alcance del proyecto, todos los guiones literarios han de ser transformados y adaptados a términos que permitan su comprensión por los equipos técnicos y artísticos que intervienen en su realización. Por tanto, merece la pena volver a una herramienta clave; el guión técnico, sin la cual es imposible la grabación.

El lenguaje descriptivo del guión literario requiere una traducción a soluciones audiovisuales muy concretas que se recogerán en el guión técnico. La transformación del guión literario a guión técnico es una tarea propia del director/realizador.

A partir de las indicaciones generales del guión, el realizador expone su visión de la historia.

Hay distintos sistemas de construcción del guión técnico y cada profesional adopta diferentes variantes. Lo que importa no es el formato sino que refleje todas las indicaciones a considerar en el momento de su planificación, de su ejecución y de su montaje.

 El guión técnico expone todas las especificaciones de carácter técnico para el rodaje o grabación de las distintas escenas. En él se ajusta la puesta en escena incorporando la planificación e indicaciones técnicas precisas. Algunas de las informaciones que encontramos en un guión técnico son:

-nº de escena

-nº de plano

-encuadre y tamaño de plano

-movimiento y dirección de cámara y personajes

-angulación, altura y posición de la cámara

-cobertura en grados

-óptica a utilizar

-decoración

-sonido

-iluminación

-efectos especiales, iluminación...

A estos datos se añade la descripción de la toma de sonido e incluso se puede completar con un plano y planta en el que se especifican las posiciones de la cámara y el orden de las tomas.

Se hará asimismo una descripción sintética de la acción que tendrá lugar en el plano, especificando el movimiento interno del personaje en el cuadro y el movimiento de la cámara, marcando claramente los desplazamientos.

Respecto a la banda sonora se describirán -normalmente en otra columna-, sus componentes, palabra, ruidos, efectos y música.

Story board

En ocasiones y cada vez más a menudo, se traslada el guión técnico a papel no con plantas de la escena, tiros de cámara o nomenclatura de planos sino de forma gráfica con el dibujo del encuadre que queremos y la angulación precisa. Es lo que llamamos story-board, que consiste en añadir a las especificaciones del guión técnico una viñeta dibujada en la que se representa el contenido visual de cada plano, formando luego una secuencia de dibujos que representan distintos momentos de la película.

El story board es frecuente en las producciones publicitarias, dibujos animados y algunos filmes de ficción. Es particularmente útil en las acciones complicadas. En él, además de una viñeta indicativa del encuadre, se señalan los encuadres, ángulos, posiciones de miradas, posiciones de personas, disposición de proyectores de iluminación, grúas, travellings…

¿COMO HACER UNA PELÍCULA DE BAJO PRESUPUESTO PARA PRINCIPIANTES?

¿COMO HACER UNA PELÍCULA DE BAJO PRESUPUESTO PARA PRINCIPIANTES?

1.     

1 Define tu idea y arma un guión. La fuerza de la historia y sus personajes puede hacer que la película sea buena o mala, sin importar la cantidad de presupuesto. No necesitas equipo sofisticado o efectos especiales para hacer una buena película. Escribe tu historia y hazla sólida y fuerte, incluso si requiere de muchas revisiones.

2.      

2 Escribe tu presupuesto. Puede que sepas en tu cabeza cuánto tienes que gastar, pero tenerlo escrito presenta los parámetros del proceso de filmado en términos concretos. Haz una lista de cada posible gasto que se te ocurra y súmalo para asegurarte de que encaje dentro de tu presupuesto.

3.      

3 Familiarizarte con la cámara de vídeo. Si eres un principiante, no necesitarás nada avanzado. Una cámara de vídeo hogareña será suficiente, siempre y cuando puedas manejar manualmente el diafragma y el balance de blancos. Revisa qué tipo de entrada de micrófono tiene. Si es una cámara comercial, probablemente tenga una conexión de 1/8". Si es una cámara de más calidad, puede que tenga una entrada XLR, en cuyo caso no necesitarás el adaptador de XLR a entrada de 1/8".

4.      

4 Prueba la cámara con el micrófono. Ajusta los micrófonos a la vara y conecta el cable XLR del micrófono a la cámara. Haz algunas grabaciones de prueba con amigos o familia. Sostén el micrófono por encima de ellos mientras hablen. Para mejores resultados, apunta el micrófono directamente a la boca de quien esté hablando.

5.      

5 Consigue el personal y el elenco para tu película. Llama a tus amigos y familiares que quieran ayudar a manejar el equipo o actuar. Otra opción puede ser recurrir a alguna universidad de actuación o a algún teatro de tu zona. Muchas veces vas a encontrar actores que sólo buscan exposición y experiencia y que estarán dispuestos a formar parte de tu película.

6.      

6 Escribe un cronograma para tu película. No querrás aparecer en el set con sólo un guión y una idea general de lo que quieres grabar. Los días de producción no son los adecuados para improvisar. Haz un cronograma que cubra cada grabación que necesitas. Como regla general, si piensas que una toma llevará determinado tiempo, calcula el doble. Siempre puede fallar algo durante la filmación.

7.      

7 Busca lugares que sean adecuados para tu historia. No creas que el fondo no importa. Busca amigos y familiares, o dueños de negocios locales que estén dispuestos a dejarte filmar en su propiedad. Si te lo permiten, se cortés y no interrumpas su negocio. Si estás filmando en un restaurante, devuelve el favor cenando allí con tu equipo y elenco.

8.      

8 Comienza a filmar tu película. Haz que tu personal llegue una o dos horas antes que el elenco para tener tiempo de preparar el set. Asegúrate de tener luz suficiente y de tomar una buena imagen con tu cámara. Si tienes problemas para conseguir luces, podrías considerar grabar en el exterior. El sol es la fuente de luz más fuerte que podrás conseguir y es gratis.

9.      

9 Revisa todas las tomas en crudo y toma notas. Tómate el tiempo para ver qué tomas contribuyen a la historia. Mira todo para confirmar que todas las tomas salieron bien, y que el audio sea claro. Es mejor darse cuenta ahora de que debes volver a filmar alguna toma y no luego durante el proceso.

1

10 Conecta tu cámara a la computadora y utiliza el programa de la cámara para bajar todas las filmaciones al disco duro. La mayoría de las computadores tienen incluido un programa como el Windows Movie Maker o el iMovie, pero si cuentas con un poco de dinero deberías considerar conseguir un programa mejor como el Avid Media Composer, el Adobe Premiere o el Final Cut Pro.

1  

11 Pon las filmaciones juntas en una toma cruda. No te preocupes por los títulos, la música o los efectos especiales todavía. Mantén las edición tranquila y pon las escenas en orden. Asegúrate de que cuenten una historia que tenga sentido. Luego puedes comenzar a recortar y ajustar las tomas hasta que tengas una historia compacta y fluida.

1

12 Agrega la música y los efectos de sonido a tu película. A menudo encontrarás que la música ayuda a marcar el ritmo de la película y puede que debas volver hacia atrás para ajustar las tomas para que se unan más suave y naturalmente. Ajusta los volúmenes de los diálogos para que todo esté parejo y claro.

13 Añade cualquier título, filtro de color o efecto especial para completar la película. Corrige el color de todas tus tomas para que todo luzca consistente. Mira la película entera varias veces, y tal vez hazlo con alguien más para que te de una opinión.

1 

14 Haz los arreglos finales. Luego sube tu película a Internet y grábala en un DVD o exportarla a tu disco duro.

  

LOS 10 MEJORES DIRECTORES DE CINE DE LA HISTORIA

LOS 10 MEJORES DIRECTORES DE CINE DE LA HISTORIA

Esta es una lista basado en los 100 mejores directores de la historia, pero nos centraremos en los 10 primeros de la lista.

10.- David Fincher, al que la revista “Total Films” ha denominado como “El Perfeccionista”. Creador de películas tan conocidas como “Seven”, “Alien 3″, “The Game” o “La Habitación de Pánico”, ha conseguido situarse por delante de muchos directores, también, destacables en el mundo del cine.

9.-. En esta posición está colocado Peter Jackson. Conocido popularmente por haber llevado a la gran pantalla la trilogía de “El Señor de los Anillos”, por la que ha conseguido igualarse a los directores más galardonados de la historia. Esta trilogía ha conseguido ponerse a la altura de “Ben Hur”, de William Wyler, y “Titanic”, de James Cameron. Pero su filmografía no se reduce a esa trilogía sino que es mucho más amplia.

8 De los mejores directores del mundo: Stanley Kubrick. Ha pasado a la historia por su perfección técnica, a la hora de abordar sus películas, y un tremendo simbolismo intelectual que ha quedado pantente en todos y cada uno de sus films.

7 Ingmar Bergman.Es uno de los directores más estudiados y en el que la literatura cinematográfica se ha centrado en varias ocasiones. Con unos orígenes humildes, consiguió realizar más de 60 películas con gran éxito.

6.-  Se sitúa Orson Welles, que alcanzó la cima de mundo cinematográfico con su mítica película “Ciudadano Kane”, una de los films más destacados en la historia del séptimo arte.

5.-Francis Ford Coppola. El padre de la saga de “El Padrino”, valga la redundancia, ha conseguido ser uno de los directores más galardonados a nivel internacional y sus películas han conseguido 5 Oscar, destacando la presencia de una de las sagas más destacadas e importantes de la historia del cine.

4.- Howard Hawks, es el cuarto director más imporante de la historia del cine. Es un director todoterreno que cuenta con una amplia filmografía como director, guionista y como productor, la gran mayoría con un éxito y una calidad impresionante

3 En este lugar está situado Steven Spielberg. Con películas taquilleras e importantes desde sus inicios, como “E.T”, la saga de “Indiana Jones”, “Encuetros en la Tercera Fase”, “Jurassic Park” o “La Lista de Schindler”, entre muchísimas otras, ha conseguido situarse en las primeras posiciones del ranking de los mejores directores de la historia del cine.

2.- Se sitúa el inimitable Martin Scorsese. Un director que ya ha sido galardonado con los mejores premios del mundo del cine e, incluso, ha sido oscarizado y nominado en varias ocasiones, reconociendo su enorme talento para la creación de obras maestras en el ámbito cinematográfico mundial. Hace muy poco fue noticia por haber sido el encargado de dirigir un documental sobre el grupo musical “The Rolling Stones”.

1.- Y el número uno es Alfred Hitchcock. Por su magistral forma de hacer cine, un cine trabajadísimo y en el que prestó atención hasta al más mínimo detalle. Sus películas han pasado a la historia como un legado importantísimo para la historia del cine.

PARA SABER QUIENES SON LOS DEMAS DIRECTORES QUE SIGUEN EN LA LISTA ENTRAR EN EL SIGUIENTE LINK: http://www.totalfilm.com/features/the_greatest_directors_ever_-_part_1